Alieni e alienazioni

Procediamo con la decostruzione.
In pillole, pregi e difetti di Avatar:

- Porta avanti una nuova VISIONE del cinema con effetti in alta definizione 3D, si concentra tecnicamente sulla creazione di un nuovo universo per sfruttare al massimo le potenzialità di questa macchina fantastica. Così come “M” di Fritz Lang [1931] ha valorizzato il passaggio al cinema sonoro, questo film ci permette di vedere meglio, in modo più approfondito, e, alle volte, vedere per la prima volta la magia del cinema fantastico. Avatar produce una nuova estetica del cinema, concentrandosi sul bello e sulla sua rappresentazione tramite immagine.

- MA, c’è sempre il ma. Essendo un kolossal della forma estetica ed essendosi preoccupato così tanto di quella che è la forma di questa nuova visione, è stato tralasciato molto a livello del contenuto. Avatar è un concentrato di “già visto e già sentito” nonostante rilegga il tutto sotto l’occhio tridimensionale del cinema IMAX, a livello di script è molto povero. Non produce nuovo senso, rielabora il senso precedente sotto una nuova ottica. Sono stati citati moltissimi film da cui Cameron avrebbe potuto attingere per la sceneggiatura di Avatar: Pocahontas, Matrix, Atlantis, Aida degli Alberi, Ferngully. (Per approfondire questi temi vi rimando al link).

Ora, permettetemi una piccola riflessione riguardo una delle tematiche portanti della trama. Ciò che di Avatar mi ha colpito di più e addirittura disturbato a livello etico. Tralascio la vicenda, il contesto di Pandora, il concetto di visione (che ho già trattato in breve) e gli alieni blu per concentrarmi unicamente sul tema del doppio, che permea tutta la durata del film.
Un ragazzo paraplegico, ossia una persona con delle limitazioni fisiche e una voglia di riscatto (si parla di un progetto scientifico affidato a suo fratello, ma dopo la sua prematura scomparsa viene scelto il nostro protagonista, per cui inizia a profilarsi già un “paragone” ed una duplicità) si trova di fronte alla possibilità di risolvere ogni problema tramite un’interfaccia virtuale che trasporta la sua “anima” (nel senso cartesiano di res cogitans) in un perfetto corpo alieno.
L’evasione dal corpo naturale per il raggiungimento di una perfezione artificiale. L’abbandono della propria situazione fattuale per una (ir)realtà virtuale.
All’interno del contesto “Avatar” (ossia, ancora una volta, Pandora e alieni blu) il discorso trova le sue motivazioni nelle limitazioni fisiche del protagonista e nella storia d’amore su cui si basa la pellicola (Titanic anyone?), ma, considerando in maniera più attenta le caratteristiche di questa nuova realtà aliena salta all’occhio il primo elemento che potrebbe, appunto, portare all’alienazione del protagonista.

Mi stavo documentando sull’origine del termine “Avatar”, che per me ha sempre avuto la valenza contemporanea di “doppio virtuale” nell’ambiente dei giochi di ruolo, e ho trovato delle interessanti notizie.
Secondo l’etimologia originale del termine l’avatar è l’immagine rappresentata del dio incarnato, questa accezione deriva dalla tradizione induista e viene utilizzata per definire figure chiave della religione quali le incarnazioni del dio Vishnu: Krishna e Rama. È particolare sottolineare il fatto che la concezione induista del mondo si avvicina moltissimo a quella della civiltà dei Na ‘vi dove ogni elemento singolo è collegato ad un tutto universale tramite una rete spirituale che permette il passaggio delle informazioni, della storia e della cultura del loro popolo nel tempo. Una peculiare caratteristica degli avatar della tradizione indiana è il loro colore bluastro, lo stesso colore degli alieni protagonisti del film di Cameron.
Il termine oggi viene principalmente utilizzato nell’ambito di internet e dei giochi di ruolo (online o meno) per la creazione di un doppio di se stesso da controllare a proprio piacimento. Sono io a caratterizzare il mio avatar, scegliendo attributi fisici adatti e tratti peculiari che possono distinguerlo dagli altri avatar. I celebri videogiochi online come “World of Warcraft” ne sono una prova: il mio avatar diventa ciò che io non posso essere.
Il problema degli avatar online è un problema serio. La duplice valenza del termine, però non ci permette di sapere con certezza se Cameron voglia parlare della realtà virtuale che, sempre di più prende piede nel nostro mondo, alle volte soppiantandolo completamente (vedi eXistenZ di David Cronenberg [1999]) oppure di questa valenza mistica e spirituale propria di una religione animista.


Al di là delle implicazioni fisiche del protagonista del film, la scelta di rendere “vincente” un avatar rispetto alla propria fattualità originale ha un peso notevole a livello psicologico. Viene interpretato come la soluzione perfetta ad ogni problema, una panacea virtuale.
Jake Sully non ha competenze sul campo militare data la sua menomazione, è depresso, avvilito ma una volta conquistato il suo avatar diventa un vincente. Il progresso vince sulla natura, paradossalmente. Come possiamo ricordare nel film Matrix [1999], non ha importanza se il cibo che mangio è reale o meno, se il sapore di bistecca è veramente quello di una bistecca, mi soddisfa mangiarlo e la stessa irrealtà che mi circonda produce il mio piacere. È veramente un mondo costruito per me, per i miei bisogni. [Video quì]

Prendo spunto dal film per proporre a voi lettori, come di consueto, l’approfondimento verso una tematica che trascende l’interpretazione del film in se.

La vita di ognuno di noi si riflette nelle scelte che compiamo giorno dopo giorno, da quelle apparentemente inutili a quelle fondamentali per la nostra esistenza. La scelta che il protagonista compie al termine della pellicola è molto importante, coinvolge tematiche di bioetica e genetica poiché Jake, inseguendo il proprio sogno (e attenzione alla parola sogno, nell’accezione freudiana ossia desiderio) decide di sacrificare il proprio corpo e la sua identità difettosa per trasferirsi completamente su Pandora e avere tutto ciò che ha sempre voluto. Corpo perfetto, amore e potere.

L’ideale della perfezione (estetica e non) viene inseguito da questo film fino al totale annichilimento della natura, è un messaggio paradossale se ci si sofferma, proprio perché le tre ore di durata della pellicola non hanno fatto che ripetere quanto fosse importante la natura e l’appartenenza ad un popolo.
Trasportando la visione fantastica di Cameron a quella, molto meno gradevole, della generazione di adolescenti e adulti del nostro mondo alle prese con internet e la realtà virtuale una scelta del genere non sarebbe la più consigliabile. Per questo, ripeto, il problema degli avatar (a trecentosessanta gradi) è un problema importante a livello soggettivo, coinvolgendo la sfera sociale e psicologica dell’individuo in formazione che si confonde tra l’immagine di se reale e quella di un se artificiale.
Se mai fosse possibile una scelta, cosa credete che sceglierebbero?
E questa, cari lettori, è anche eugenetica.

Oh, Scar!

Anche io, come molti appassionati di Cinema, preparo il pop-corn e la birra per la notte degli Oscar del 7 Marzo 2010. Fortunatamente sarò in Florida in quel periodo, per cui riuscirò anche a vedere la cerimonia in diretta sulla NBC.
Da un certo punto di vista non ho mai apprezzato le scelte dell’Accademy nelle loro premiazioni, un film vincitore non è necessariamente il film migliore dell’annata. Spesso dimenticano che i criteri di selezione sono molto soggettivi e vengono influenzati da questioni economiche, politiche e sociali. Il film decretato “migliore” deve comunque passare sotto l’occhio critico degli esperti, quelli veri, quelli che non si lasciano abbindolare da “ciò che luccica” e dalla vagonata di statuette che il kolossal di turno porta a casa e, spesso, sono proprio loro a stroncare il prodotto.
Ora, sappiamo bene che gli occhi del pubblico cinematografico 2009/2010 sono puntati su una sola ed unica pellicola, ormai stimata come il capolavoro cinematografico del decennio: Avatar.

Io ho visto Avatar, come penso il 90% della popolazione mondiale (escludendo solamente i terroristi di Al Qaeda nascosti nelle montagne dell’Afghanistan, il mostro di Loch Ness e Superman tra i ghiacci dell’Antartide) e ho espresso il mio giudizio dopo pochi secondi. Si, è vero, ci ho messo 1 mese a pubblicare la recensione… però avevo tutto in testa, ve lo giuro!
È anche vero che a me piace decostruire una pellicola per poi riassemblarla ed interpretarla sotto una nuova ottica, ma i film di mainstream veramente non li sopporto più di tanto. Ho il “vizio” professionale di cercare le motivazioni che si celano dietro la produzione di un film, estraniandomi un secondo dal contesto dell’ermeneutica filmica ed allargando la mia analisi al contesto che ha generato questa pellicola. Potete trovare questa caratteristica in ogni scritto presente sul blog, è la mia “missione”, lo scopo della mia indagine in vista di una futura professione.
Bene, per portare avanti questo compito non mi sento di concentrarmi unicamente sul film di James Cameron, proprio poiché non avrei niente da contrapporre come confronto, per cui mi dedicherò in modo parallelo ad una pellicola “rivale”. Nominato agli Oscar nella categoria “Best Movie”, tratta di un argomento molto simile ma in maniera del tutto differente, il film in questione è District 9.

Preferisco trattare con attenzione i due film in due post differenti, per evitare di creare 200 pagine difficili da leggere.

Violinisti sul tetto della storia

Sfrutto la mia momentanea fissa per la cultura ebraica e la necessità che comporta l’esame di Musical per parlarvi velocemente di un film che, anche se non ci avrei scommesso, mi ha molto colpito: “Fiddler on the Roof” [1971]

Il villaggio russo di Anatevka è abitato, da una parte, da una comunità di cristiani ortodossi, e dall’altra da un ristretto gruppo di ebrei ortodossi. Questi, come viene accennato subito nel prologo, fanno finta di non vedersi, in modo da evitare qualsiasi tipo di discussione e vivere in pace.

Durante il film ci vengono presentate, con il tono ironico dei musical, le abitudini giornaliere di ogni persona di religione ebraica: il momento del sabbath, la scelta dello sposo da parte del padre per la figlia, la figura della match maker, il matrimonio e le celebrazioni classiche della tradizione giudaica.

Quando si parla di ebraismo, e se ne parla sul serio, tralasciando gli orrori dell’olocausto e tutto ciò che questo popolo ha dovuto subire, non si può non discutere delle tradizioni, che al giorno d’oggi compongono gran parte dell’immaginario comune in materia. Cosa vuol dire Tradizione?

Ce lo spiega benissimo il saggio Tevye, protagonista del film, nella sequenza d’apertura, tramite un monologo dal sapore teatrale che rompe definitivamente la quarta parete, nel nostro caso lo schermo cinematografico, e comunica direttamente con lo spettatore, guardando in macchina e chiedendoci retoricamente il nostro parere sulle vicende della piccola comunità ebraica di cui fa parte. Al monologo segue la canzone “Tradition”, ironica e orchestrata in maniera magistrale da John Williams, che mette in musica gran parte degli elementi tradizionali ebraici-ortodossi dei primi del novecento, ponendo in risalto i rapporti tra credi differenti nella cornice del piccolo villaggio russo.

Per comprendere a pieno l’importanza della tradizione, però, è necessario specificare che la pellicola è ambientata nei primi del ‘900, durante le prime grandi mobilitazioni progressiste nella Russia zarista. Il progresso, quindi, eternamente opposto alla tradizione. Questo è l’elemento che permette l’azione all’interno del film, fosse per Tevye ed i suoi fratelli la situazione rimarrebbe sempre immutata, la vita seguirebbe la stessa routine giorno dopo giorno ed ogni cosa verrebbe fatta allo stesso modo perché è in quel modo che è stata tramandata dai padri dei padri, per cui necessariamente quello è il modo giusto di agire. Il progresso disturba la pace interna della piccola comunità ebraica e, lentamente, cerca di smantellare ogni tradizione tramite l’evoluzione tecnica (la nuova macchina da cucire), morale (le scelte delle tre figlie di Tevye opposte al volere del padre) e politica (l’esodo dal villaggio).

La vicenda, che ricorda alla lontana la novella “I Malavoglia” di Verga, getta un occhio musicale e ironico sulla tragedia di un popolo che è costretto continuamente a muoversi e spostarsi, proprio per colpa della loro incapacità di adattarsi ai mutamenti costanti del mondo. O meglio, per la volontà contraria al progresso, la volontà di mantenimento e la forte convinzione che ogni cosa accade per una ragione.

Questo ultimo anno cinematografico ha permesso a molti esponenti della cultura ebraica di esprimere il loro personale punto di vista tramite la macchina da presa. Per approfondire l’argomento consiglio due piccole perle di dark comedy: Basta che Funzioni [Whatever Works, 2009] di Woody Allen (recensito da Valerio su questo blog) e A Serious Man [A Serious Man, 2009] dei fratelli Coen, candidato a due premi Oscar.

Per comprendere meglio il fenomeno ebraismo e ciò che ne rimane in questo futuristico e progressista 2010, è necessario gettare uno sguardo indietro verso la storia della filosofia e vedere cosa ne pensano degli illustri maestri come Kant ed Hegel.

Immanuel Kant, nella sua celebre riflessione morale, riflette spesso sulla figura di Dio (quello della tradizione giudaica) e di suo Figlio Gesù tramite le parole di S. Paolo mutuate dalla cultura pietista dalla quale Kant proviene. La valenza dell’innovazione cristiana si trova indubbiamente sul piano etico, secondo il pensatore tedesco, Gesù ha rivoluzionato la moralità prettamente legislativa della Torah ponendo l’accento sulla parte razionale del nostro comportamento, introducendo il concetto di riflessione e valutazione del proprio comportamento sulla base di un dovere assoluto che non è scritto da nessuna parte, non ha oggetto, è puro dovere razionale.

L’ebraismo come ci viene descritto da Hegel nelle sue lezioni di Filosofia della Religione prende corpo nella riflessione sulla storia ed i suoi mutamenti continui. La tradizione è il primo momento della coscienza oggettivante che costituisce, come sempre, una parte di un cammino che, non a caso, viene perseguito secoli più tardi dal cristianesimo come forma di superamento. Il cristianesimo è una forma più moderna, è la storia che prosegue, è l’upgrade dell’ebraismo. Rimanere ancorati ad una tradizione vuota vuol dire smettere di creare significato e limitarsi a ricordare un significato del passato, o addirittura, ripetere in maniera meccanica delle gestualità o dei rituali che il significato lo hanno completamente perso nel tempo, come viene ironicamente detto dal Tevye durante i primi minuti del film.

Io parlo spesso di “inutilità storica dell’ebraismo”, ma ne parla molto anche Nietzsche nella Genealogia della Morale, come incapacità storica di questo popolo ad una protensione verso il futuro. Questa è una realtà. Altra cosa è parlare di “inutilità storica degli ebrei” che, come sappiamo, ha portato a bel altre conseguenze.

La pensosa spensieratezza del Musical

Ho visto in totale 4 Musical in 2 giorni ed iniziano a farsi vedere gli effetti collaterali di questa eccessiva dose di commedia musicale! Canto e ballo tutto il giorno: quando mi alzo dal letto mi dirigo in bagno facendo tip-tap in pigiama con gli occhi ancora semichiusi, penso addirittura le coreografie di come potrei lavarmi i denti e, guai se prendo in mano qualunque oggetto ombrelliforme! Ieri sono uscito sotto la pioggia e mi sono messo a cantare “I’m Siiinging in the rain” mentre mi zuppavo completamente i vestiti rischiando un malanno come il povero Gene Kelly. Ho deciso, allora, di scrivere qualcosa proprio riguardo a questo film musicale: “Singin’ in the rain” [MGM, 1952].

Devo ammettere che ho particolarmente apprezzato questa pellicola, proprio perché permette una riflessione interessante sul cinema musicale al suo nascere, inteso come genere innovativo all’interno della grandissima produzione cinematografica del periodo che, spesso, non riusciva ad eguagliare il teatro per qualità.
Don Lockwood è un celebre attore di cinema, sempre in coppia, nella vita come nel lavoro, con Lina Lamont. Il duo è famoso nell’ambiente per una serie di pellicole romantiche tradizionali dell’era del cinema muto, dove la loro interpretazione si limita ad esasperare ogni gesto di corteggiamento per terminare in quel tanto atteso bacio. La crisi del cinema muto durante gli anni ’20 inizia ad essere evidente con l’uscita del primo musical americano sonoro: “The Jazz Singer”. Come avvenne per il Fritz Lang di “M” anche i nostri protagonisti sono costretti ad inventare un nuovo modo di fare cinema, reinterpretando il film in produzione, inizialmente in chiave sonora senza grandi successi, ed in seguito trasformandolo in film musicale.
Kelly è grandioso nella sua performance, ma ancora prima di lui è necessario valutare la scelta dei numeri musicali e le coreografie che, ripercorrendo la storia del musical, si divertono a citare i più grandi show di Broadway lasciando poco spazio ai temi originali. Ogni numero di questa pellicola è uno spettacolo pirotecnico, espressivo e burlesco ma mai estremizzato o esagerato. Probabilmente tutti, una volta nella vita, si sono ritrovati con un ombrello a camminare sotto la pioggia fischiettando il famoso motivetto. Talmente importante da venire citato da Kubrick nel suo capolavoro “Arancia Meccanica” [A Clockwork Orange, 1971] come parte imprescindibile della pop culture.
Il film è del ’52 ma ha una valenza retrospettiva. Il regista Stanley Donen decide di fermarsi un secondo, prendere un respiro e dare un’occhiata a tutto quello che c’è stato prima di lui per poterlo raccontare in modo efficace e permettere al pubblico di riflettere sul cinema nella sua interezza.
Il tempo del puro “entertainment” è finito, gli anni del cinema inconsapevole di se stesso sono ufficialmente nel passato. Eppure, ogni tanto è possibile ripescare qualcosa da questo passato scintillante e riproporlo in chiave differente, come vediamo nel finale del film dove Don è talmente affascinato dal mondo del cinema musicale da sognare un glorioso trionfo a Broadway tra i set dei più grandi spettacoli come The Broadway Melody [1929] e The Broadway Melody of 1936 [1935].

Di tutt’altra idea è invece il film “The Band Wagon” [MGM, 1953] diretto da Vincent Minnelli, un altro grande del Musical americano, ed interpretato dall’ideale controparte di Gene Kelly: Fred Astaire.
Il film si trova nella situazione inversa, l’ambientazione è quella contemporanea degli anni 50, dove ormai il genere musicale era considerato come una forma d’arte minore e di poca importanza. Il protagonista Tony Hunter è un attore “attempato” celebre per le sue interpretazioni di poco spessore nelle commedie musicali della fine degli anni ’30. Per rilanciare la sua carriera gli viene proposto di interpretare un musical teatrale di grande profondità artistica, una rilettura moderna del Faust, diretto da un famoso regista di tragedie classiche. Nonostante la sua riluttanza, Tony/Fred si decide a portare in scena questo kolossal ma la sera della prima viene dichiarato il suo insuccesso. Prendendo in mano la situazione, il nostro attore “attempato” decide di farlo a modo suo, trasformando il drammone in commedia, come era stata inizialmente pensata dagli autori del testo, portando in scena quattro atti di puro divertimento e risate, con un vago riferimento al precedente fallimento all’interno del testo delle canzoni.
Con il numero “That’s Entertainment”, ripetuto due volte all’interno del film per sottolineare come in differenti contesti questa frase rimanga valida quando si parla di musical, Minnelli si dichiara un fondamentalista della commedia spensierata, pur dirigendo un film altamente riflessivo.
Il contrasto che permette la riflessione avviene nel momento del fallimento dello spettacolo "impegnato" e del trionfo di quello "leggero" dove Astaire sembra esclamare un musicale "Te l'avevo detto!" al mondo del cinema mentre si allontana ballando con la bella ragazza di turno.

West Side Story (o, Storie dall'altra sponda)

Prima pellicola, non in ordine cronologico, che presenterò a voi lettori è West Side Story.

I miei preconcetti su questo musical erano tanti: la trama, la durata ed il solito astio iniziale per i film musicali. Eppure, devo ammettere che la visione mi ha lasciato soddisfatto.

Dopo la prima ora del film ho iniziato a trovare significativi i molti riferimenti alla tragedia “Romeo and Juliet” di W. Shakespeare, che sicuramente tutti conoscete, ma al termine della pellicola ho notato quanto questi riferimenti fossero fondamentali per l’andamento del film e per l’approfondimento dei temi portanti di quest’opera.

In breve, immaginate di riproporre la vicenda dei due innamorati di Verona tra le strade sporche e pericolose di New York dove due bande rivali si affrontano giorno dopo giorno per il dominio della zona. Sicuramente meno “esagerato” del film di Luhrmann [William Shakespeare's Romeo + Juliet, 1996] questo musical utilizza una trama classica per parlare di temi assolutamente contemporanei e che, purtroppo, non smetteranno mai di essere fonte di discussione.

West Side Story, nonostante la sua spettacolarità e la cura per i dettagli, parla dell’odio e della difficoltà di integrazione di un gruppo di immigrati portoricani che vedono nel sogno americano la realizzazione di ogni propria speranza.

Come dicevo, ho trovato molto interessanti le trovate registiche per movimentare l’azione nelle coreografie labirintiche delle stradine di New York, come si vede nella grandiosa sequenza d’apertura. Meno interessante, e oso dire “banale”, è stata la trovata di far recitare in “spanglish” attori che non sono affatto di provenienza sudamericana. Questa forzatura ha portato ad uno svilimento del messaggio contenuto nel film, a mio avviso, rendendo più evidenti certi cliché che rendono alcune sequenze pacchiane.

Si dice spesso che i musical di Broadway siano gay. Questo viene parodiato in “The Producers” di Mel Brooks (uno dei pochi musical che adoro) con i versi: “No matter what you do on the stage Keep it light, keep it bright, keep it gay!” oppure è comune nella tradizione del musical classico il termine “Gay” come sinonimo di gaiezza o di allegria e spensieratezza come prerogativa di uno spettacolo divertente.

Sarà che non me ne intendo molto di musical, però mi è parso, specialmente in questo film, che l’azione che manda avanti la trama sia estremamente caratterizzata dal punto di vista sessuale.

Mi spiego. Nella giungla della grande mela degli anni ’70 è difficile “marcare il proprio territorio” proprio per la vastità di questo, come ci suggerisce una prima panoramica dei titoli di testa. Questi ragazzi, perché di giovani stiamo parlando, in pieno sviluppo sessuale, si impegnano per difendere il proprio vicolo, il parco dove giocano, le proprie donne e la propria casa. Come ci insegna Freud, questi comportamenti animaleschi hanno una base profondamente sessuata. Le pulsioni vengono espresse tramite la danza e la musica, il ballo ed il canto, Fred Astaire o Gene Kelly danzavano per conquistare una bella ragazza e volgevano la propria pulsione verso l’oggetto sessuale da loro desiderato. Stessa cosa accade in West Side Story, dove, però, le movenze coordinate ed armoniche dei protagonisti, anche durante la loro lotta mortale, fanno comunque pensare ad una connotazione sessualmente attiva di tipo omosessuale. Ci troviamo comunque all’interno di uno “spettacolo” per cui i corpi atletici degli attori risaltano, le movenze di tipo teatrale la fanno da padrone ed una qualunque lotta per il dominio non può essere presa troppo sul serio.

West Side Story, allora, ad una lettura freudiana, non appare affatto gaio ma veramente molto gay.

Su il sipario!

La passione che mi lega al cinema è pari a quella che mi lega alla musica, eppure, la commistione di queste due forme d'arte, spesso, non mi esalta.
Il Musical delle origini non mi ha mai appassionato, la sua evoluzione, per contro, riesce a tenermi incollato allo schermo per un ora e mezza nei casi migliori, ma è veramente veramente raro.

Vedere Gene Kelly e Fraid Astaire che ballano "o tippo tappo" non è sicuramente tra le mie priorità in campo cinematografico, però, per motivi di studio (grazie prof. Gebbia) sono costretto a vedere una vagonata di pellicole musicali prima del 1 Febbraio. Oh, badate bene, non mi lamento affatto! Pensare che il mese prossimo devo leggere la Critica della Ragion Pura di Kant e scriverci sopra una bella tesina di 30 pagine mi farebbe rimpiangere tutte le faccine sorridenti anni '50 che cantano e ballano, compreso John Travolta. Eh si, proprio lui.
Il mio progetto, nato per dare una botta di vita al mio blog in semi-coma vegetativo, è quello di scrivere un paio di righe di sinossi ed un paio di commento ad ogni film che vedrò.
Sono già in debito di due pellicole, per cui dovrei darmi una bella mossa!

So, without further ado... let the Musical begins!

Pianto alla cantonese

Hachiko è un film piagnone. Bellissimo, poetico, struggente, ma piagnone da morire.

Come non tutti saprete, il plot pretende di essere una storia vera; ciò che è vero è che la sceneggiatura è stata prodotta dopo un grande lavoro di riadattamento o occidentalizzazione di una leggenda giapponese della prima metà del novecento, che a sua volta era stata trasposta su pellicola da Seijirô Kôyama nel suo “Hachiko Monogatari" del 1987.

Lo ammetto, purtroppo non ho visto il film originale, mi è capitato di vedere Hachiko [Hachiko: A Dog's Story – Lucky Red 2009] senza saperne assolutamente nulla, dopo aver incontrato Richard Gere ed il cagnolino protagonista del film sul red carpet del Festival Internazionale del Film di Roma. La situazione mi ha incuriosito e mi sono convinto a dargli una chance.

Al termine della proiezione, oltre al classico applauso da festival, c’è stata una soffiata di naso collettiva. Uscendo dal cinema ho visto l’intero gruppo delle spettatrici intente a rimettersi in sesto il trucco dopo averlo devastato da due ore di intenso pianto. Gli spettatori maschi, invece, me compreso, cercavano di mantenere un contegno nonostante il viso paonazzo e le guance solcate da una sola piccola lacrimuccia.

In quest’ultimo lavoro di Lasse Hallström è facile rilevare la grande influenza orientale (usa e getta) che il regista ha voluto esprimere, a livello di estetica dell’immagine, per mantenersi il più possibile fedele alla tradizione giapponese.

Quello che sicuramente mi ha colpito è stata la scelta cromatica molto accurata ed il costante lavoro fotografico per mantenere i toni sempre malinconici, da un certo punto di vista. Non esistono colori sfolgoranti in questo film, l’atmosfera e le gradazioni permettono all’immagine di acquisire una valenza “autunnale” che, ovviamente, è intonata con il manto del protagonista quadrupede.

Un secondo pregio del film è la colonna sonora. Vorrei concentrarmi sulla validità della musica come mezzo per trasmettere emozioni, poiché proprio di questo si occupa. Le note di un pianoforte accompagnano la visione del film dall’inizio alla fine, accostate, spesso, dalla potenza evocativa degli archi che, come sappiamo, sono lo strumento “emotivo” per eccellenza.

Immagine e suono riescono a produrre una grande armonia all’interno della pellicola, non sono due enti distinti e separati che viaggiano su uno stesso binario temporale. Si fondono insieme per creare una serie di sensazioni che permettono allo spettatore di essere predisposto emotivamente ad una determinata sequenza. Questo è, a mio avviso, il tocco magistralmente orientale che il regista ha voluto infondere alla sua creazione.

Al di là delle scelte di montaggio o del taglio delle inquadrature, che sicuramente contano molto nella definizione di una scena “alla orientale”, è l’armonia globale a fare di Hachiko un “bel” film da guardare. Il cinema giapponese, cinese e koreano dell’ultimo ventennio ha dettato le regole nel campo della composizione dell’immagine. La cura e l’attenzione che viene riposta nella composizione dei fiori (ikebana), della tavola durante la cerimonia del tè (chadoo) e della messa in scena delle opere teatrali (kabuki) è propria di una tendenza orientale nella coreografia delle immagini. In questo, Hachiko, lo ripeto, è un film “bello”, se mi permettete il termine nella sua accezione puramente estetica.

Ecco il tasto dolente, perché, ovviamente, c’è un tasto dolente.

Hachiko con Richard Gere è un film americano, non un film giapponese. Questo sembra ovvio a prima vista, ma, ad una visione più attenta diviene addirittura disturbante.

Cosa voglio dire, mi spiego.

Lo spirito e la cura di un film orientale è fondamentalmente diverso dall’attenzione che viene riposta in un film americano. Nella società del grande consumismo e nella patria indiscussa del capitalismo tutto viene fatto per un motivo, ogni atto è finalizzato ad un effetto. Anche l’arte, purtroppo, diviene industria. Ne abbiamo parlato in passato riguardo alla comicità, non vorrei ripetermi, ma purtroppo anche nel genere drammatico (e come vedremo in futuro, specialmente nell’horror dove la linea per sconfinare è veramente molto sottile) si rischia di rendere un film piagnone.

Ogni sequenza è finalizzata alla commozione o all’intenerimento dello spettatore nei confronti del piccolo cagnolino. Oltre ai milioni di close-up sul muso e sulle espressioni (?) di Hachi, vengono addirittura adottate delle soggettive in bianco e nero per permettere allo spettatore di avvicinarsi sempre di più alla figura del protagonista fino ad identificarsi con lui nel catartico finale.

Il tocco “occidentale” che svia il messaggio del film dalla sua pretesa di “orientalismo“ è finalizzare una buona storia ed un bel film (ricordate il “bello” di prima, rieccolo) a far piangere, toccando quel masochistico piacere inconscio dello spettatore con elementi classici come : il cagnolino, il padrone amorevole che muore, l’attesa costante e la fedeltà eterna di questo, ed il finale che non vi svelerò.

In definitiva, probabilmente l’Hachiko giapponese sarà stato un film interessante, ma quello americano è un pretesto per versare lacrimoni ed uscire dal cinema emotivamente instabili ma stranamente soddisfatti.

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P.S. : Nel film, in un ruolo marginalmente importante, figura Cary-Hiroyuki Tagawa che molti di voi ricorderanno per aver interpretato Shang Tsung nel film di Mortal Kombat... giusto una nota thrash per gli amanti del genere :-)