Yes Man o Über Mensch ?

Ci sono quei film che guardi per farti solo due risate e film che guardi per avere delle risposte.I primi sono “usa e getta” che solitamente non si vedono più di una o due volte, magari in compagnia di amici o in situazioni di festa. Per come la penso io, alcune di queste pellicole divertenti hanno la stessa valenza (occhio al termine) dei drammoni strappalacrime e degli splatter di cattivo gusto.

I secondi, invece, sono quei film di culto che si mantengono nel tempo, si ricordano perché segnano la vita di colui che li guarda. Il vissuto dello spettatore si unisce al prodotto filmico creando un forte evento nella coscienza. Vedere un gran film ti cambia, è inevitabile. Non sei più la stessa persona.

Nella prima categoria figura spesso l'attore Jim Carrey. Nella seconda, anche.
Oltre alle stra note doti comiche dell'attore americano, ultimamente abbiamo avuto il piacere di vederlo recitare in alcuni ruoli più profondi, spesso tralasciando anche la venatura divertente.
Per citare qualche titolo : “The eternal sunshine of the spottless mind” ; “The number 23” ; “The Truman Show” e l'ultimissimo “I love you, Phillip Morris”, tutte pellicole di grande valore artistico sulle quali spero vivamente di potermi soffermare in seguito (e magari lo faccio pure). Per una questione puramente cronologica, però, mi piacerebbe parlare di un altro film che magari in molti hanno visto ma hanno facilmente sottovalutato: “Yes, Man!”

Questa pellicola è un classico esempio di “via di mezzo”, un po' com'è stato con Truman Show. Ha un lato di puro intrattenimento con alcune sequenze veramente spassose (“I really like Red Bull!”) e un'idea di fondo che stimola molto la riflessione.
Sintetizzando al massimo, questa è la storia di un singolo uomo che un bel giorno decide di cambiare vita e assumere come imperativo categorico il “Si” in ogni situazione possibile ed immaginabile. Moglie nuova importata dall'estero? Si. Lezioni di una lingua inutile? Si. Partecipare ad un tristissimo party a tema Harry Potter? Si!
Non importa il COSA, è necessario accettare.

In realtà è molto semplice come trama, alla lontana ci potrebbe ricordare “Liar, liar” o “Bruce almighty”, sempre (non a caso) con Jim Carrey nei ruoli principali, per le modalità di sviluppo degli eventi, anche se in questo caso non c'è nessuna magia di fondo. La decisione del protagonista di dire di “si” a tutto ciò che la vita gli presenta è presa consapevolmente, forzando la propria volontà e cambiando radicalmente modo di vivere.
Proprio questa è la chiave per interpretare le intenzioni mature di questo film. Si differenzia contenutisticamente dalle classiche commedie paradossali americane dal fatto che gli eventi sono, in un certo modo, fuori dal comune ma niente è fantastico. Non è costretto da nessuno, potrebbe scindere questo patto da un momento all'altro, non c'è nessun elemento esterno che lo obbliga, nessuna fidanzata lo lascia (oddio, in realtà si, però è fondamentale per acquistare la consapevolezza) e nessun bambino conta su di lui per avere nuovamente una famiglia riunita e felice.

• Il protagonista prende in mano le redini della sua vita inconsapevole e, per viverla al meglio, si basa su un concetto, un'idea, seguendola ciecamente in un primo periodo, per poi interiorizzarla completamente in un secondo momento. Il “si” rientra nella definizione kantiana del termine “formale” indicando la modalità (accettare sempre) ma mai il contenuto dell'azione da compiere, che varia in ogni caso. Questo primo momento della vita di Carl coincide con il primo tempo del film, dove il protagonista compie la scelta fondamentale di diventare uno YES MAN (allontanandosi dal suo stato attuale di NO MAN) senza neanche sapere di cosa si tratti, proprio perché necessita di un cambiamento di prospettive.
  
• Il secondo momento implica, invece, una riflessione da parte di chi compie l'azione. Non c'è più la cieca fedeltà all'ideale, perché proprio questo è stato demolito dalle parole del “guru” del film (il fondatore degli Yes Man) per cui anche l'imperativo smette di essere categorico e viene, finalmente, posto sul piano del dubbio. Avviene in questo modo quel passo avanti che, a mio avviso, è fondamentale per comprendere il grande apporto “benefico” di questo film verso chi lo guarda. Carl accetta le possibilità dell'esistenza ponendosi in maniera positiva verso di questa, senza accettare tutto inconsapevolmente, ma neanche rifiutando ogni novità che gli viene suggerita. Ora lui ha le capacità per valutare il meglio all'interno di una situazione. Il “Si” è ormai parte di lui, non ha più bisogno di imporsi sulla sua volontà, perché questa si è automaticamente conformata al si.
  Carl ha detto “si alla vita” così come ci consiglia Nietzsche, ha ascoltato la sua volontà e ne ha fatto potenza.
  

Non vi nascondo che questo film mi è stato di grande aiuto, principalmente per quella che è stata la mia esperienza di vita, per cui la passione con cui ne parlo non è affatto “accademica” ma genuina e originaria. Spesso è facile ritrovarsi nelle situazioni di un film, magari dopo averlo visto, ci si fa una risata sopra. Yes Man è la fotocopia della mia vita. Non scherzo! Solo che, fortunatamente, l'ho visto  dopo aver diretto il mio personale “film” ed essere uscito fuori da una situazione da NO MAN in piena regola.
In secondo luogo rientra a pieno nelle tematiche etiche che sono solito trattare nei miei studi in filosofia, infatti, il “passo avanti” di cui parlavamo è molto simile a quello compiuto dall'etica fenomenologica rispetto a quella kantiana. Il merito di Husserl, padre della fenomenologia, nelle sue "Lezioni di etica formale", è stato quello di ridare senso all'esistenza. Di colmare nuovamente il contenuto dell'azione morale.
Non ha senso dire di si a tutto, questo lo si capisce benissimo dalle avventure/disavventure di Carl. E' solamente il primo passo questo, fondamentale per l'apertura verso la vita, è necessario però completare questa esperienza e rendersi protagonisti delle proprie scelte fino in fondo, senza lasciarsi accecare da un principio, per quanto “buono” possa essere. Parlo anche di guerre sante, fondamentalismi e di tutte quelle dottrine che chiudono gli occhi invece che aprirli definitivamente.
L'etica della scelta è presente nel finale del film, come aspetto conclusivo di un processo lungo e faticoso che implica una grande forza di volontà che anche un personaggio, apparentemente inetto, come quello di Carl riesce a trasmettere.

Jim Carrey, come sempre, riesce a farci ridere (e parecchio!) ma questa volta ci parla di noi stessi e di come è possibile cambiare senza lasciarsi andare. Vi segnalo una sequenza (click please!), veramente molto divertente, dove al protagonista viene rimproverato proprio il fatto di essere sempre stato un “morto vivente”.

Ommioddio Tuailaaaait!

Ricordo ancora un recente episodio di follia collettiva quando, durante la Festa del Cinema di Roma di due anni fa, ho visto passeggiare sul red carpet i due giovani protagonisti del film più atteso del millennio, dietro a sei file di ragazzine scalpitanti. Avatar? Il sequel di "Citizen Kane" diretto da un Orson Welles zombie? No, macchè... Twilight!

Non mi piace troppo Kristen Stewart. Non mi piace Robert Pattinson. E non mi piace neanche la saga di Twilight, se è per questo.

Però...c'è da dire che nel panorama cinematografico mondiale è sempre più comune parlare di adolescenti oppure parlare AD adolescenti. Che è ben diverso.

Prendo come esempio proprio la signorina Stewart che, durante la sua esordiente carriera, ha già attraversato entrambe le fasi ma, sfortunatamente per lei, si è arenata in quella fossa melmosa che è il cinema adolescenziale: i cosiddetti teen movie che tutti conosciamo bene. Infatti, oltre alla citata Twilight Saga (tre episodi cinematografici per ora), sarà co-protagonista di “The Runaways” con Dakota Fanning, l'odiosa bambina de “La Guerra dei Mondi” di Spielberg.
Io, in sua difesa, sono anche convinto che non sia una cattiva attrice, magari che sia una ragazza profondamente antipatica (lo deduco dai photoshoot delle varie anteprime e dai personaggi che sceglie di interpretare al cinema), ma che sicuramente i ruoli che fino ad ora le sono stati affidati è stata capace di portarli sul grande schermo con risultati qualitativamente buoni. Non mi soffermo troppo sul discorso Bella Swan di Twilight e compagnia “bella” (ammazza che simpaticone) poiché, essendo un personaggio noto principalmente per il suo seguito cartaceo, rischio il linciaggio non avendo mai letto alcun libro della Saga della Meyer. Ho deciso, come di mio solito, di procedere attraverso un piccolo confronto che trova come filo conduttore proprio le interpretazioni della Stewart.

Prendo in analisi il film “Speak” [Speak - Le parole non dette, 2004], anch'esso noto per la sua traduzione filmica dallo scritto di Laurie Halse Anderson e vincitore del premio come miglior film al Woodstock Film Festival. Molto simile, per tematiche ma non per modalità di messa in scena, al recente (e immensamente superiore) “Precious: based on the novel Push by Sapphire” in lista per una serie di Oscar durante quest'ultima premiazione degli Accademy Awards.
I film hanno numerosi elementi in comune. Entrambi sono tratti da romanzi di autrici donne, ed entrambi raccontano storie di ragazze adolescenti violate e con situazioni difficili da affrontare in famiglia. Queste sono pellicole formalmente mature che affrontano l'argomento dell'adolescenza e tutte le problematiche che ad essa sono collegate, attraverso la rappresentazione di un evento traumatico. Ad ogni storia, ovviamente, segue un suo sviluppo particolare, per cui in Speak è presente il tema molto forte della incomunicabilità del trauma subito attraverso le sole parole e una forma di salvezza nell'arte visiva. In Precious, invece, la realtà di profonda povertà in cui è immersa la famiglia della protagonista ci permette di riflettere sullo squallore e la totale incoscienza di una violenza subita che, agli occhi di uno spettatore, appare lampante e aberrante.
Questi temi riflettono l'intento sociale dei film di raccontare uno spaccato di vita reale ed una istantanea, appunto, sociale delle condizioni di vita di un'adolescente americana, che sia bianca o nera.
Devo ammettere che ammiro particolarmente Precious per le modalità in cui queste tematiche sono espresse, la fortissima soggettività che si percepisce durante lo scorrere delle sequenze. Si vive il dramma nella pelle di Precious, la ragazza obesa violata dal padre, attraverso i suoi occhi e la sua immaginazione. In alcune sequenze avviene una sorta di isolamento dalla realtà, un piccolo viaggio ad occhi aperti nei meandri della fantasia, dove la ragazza sogna di essere amata, corteggiata, di vivere una vita serena. Altre sequenze, invece, hanno del ridicolo e sfociano nel grottesco, ma in complesso credo che il film meriti di essere visto.

Tornando al discorso principale, il film Twilight [Twilight- Eagle Pictures, 2008], come tutti sappiamo, si serve anch'esso delle prestazioni “imbronciate” di Kristen Stewart, ma attraverso un filtro molto diverso da quello di Speak. Questo (o meglio, questi, dato che è una saga) sono dei film immaturi per gli adolescenti. Il target a cui mirano non è lo stesso, poiché non è presente alcuna introspezione diretta, alcuna messa in scena della soggettività, non esiste una riflessione di alcun genere. Questo mio giudizio è criticabile, in quanto non sono un grande esperto dei film della saga, avendone visto uno solo e non conoscendo affatto i libri, ma a meno che non ci sia una sorta di interpretazione allegorica della vicenda tra vampiri sbrilluccicanti e licantropi dagli addominali titanici, io non leggo alcun elemento di autocoscienza. Questi film non trattano il tema dell'adolescenza, si limitano a raccontare una storia agli adolescenti, creando un prodotto adatto unicamente alla loro fruizione.
Niente da condannare, intendiamoci, a ognuno il suo, ma è solo una gran bella differenza che deve essere presa in considerazione.

Questa è stata una piccola digressione sulle tematiche che solitamente tratto, sperando di riuscire a scrivere più spesso degli articoli più brevi, mantenendo comunque il mio occhio critico senza perdermi nella “quantità”.

Strade perdute e Strade ritrovate

Nel bene o nel male, conosciamo tutti David Lynch.

Chi non ha mai sentito dire dal suo amico cinefilo di fiducia: “Ma l'ultimo film di Lynch è un capolavoro!”, oppure, “Ma l'hai visto l'ultimo film di Lynch? Secondo me neanche lui sapeva cosa voleva dire!”. Ci sono opinioni contrastanti come su ogni artista che si rispetti. Si parla di Lynch, non ci si limita a dire che un suo lavoro è “bello” o “brutto”, utilizzando categorie estetiche, per nulla adatte al lavoro della critica cinematografica, di cui spesso di abusa. Si discute, c'è sempre uno scambio di opinioni e, citando Paolo Bertetto, Lynch costringe lo spettatore ad interrogarsi su ogni singolo movimento di macchina presente nelle sequenze di uno dei suoi film. I suoi film vanno interpretati, non ti lasciano sicuramente senza nulla da dire.

Nei suoi lavori siamo abituati ad assistere alla trattazione di tematiche forti come la perdita dell'identità personale, la confusione tra veglia e sogno, la morte. Ma anche a momenti di grottesco umorismo, basti pensare a film come Wild At Heart o alla serie televisiva Twin Peaks. La commistione di questi elementi introspettivi e la tendenza all'umorismo (di scuola hitchcockiana) è una delle caratteristiche che rendono riconoscibile un film di David Lynch.

Quello che ancora mancava nell'elenco della filmografia di Lynch era un film che facesse riflettere attraverso le modalità tradizionali della riflessione filmica. Con calma e lentezza. Ed è proprio questo l'intento del regista nella pellicola del 1999 che ho intenzione di analizzare: The Straight Story [Una Storia Vera - 1999 - Walt Disney Pictures] .

Per quanto possano risultare “pesanti” i suoi film, sono comunque tutti caratterizzati da movimenti rapidi di macchina ed un montaggio all'apparenza confuso, o per meglio dire, confusionario. Prendo come sequenza emblematica quella del film Lost Highway [Strade Perdute – 1997 - October Films] dove in diverse occasioni la macchina da presa, posta su un'automobile durante una sfrenata corsa notturna, riprende l'asfalto e le linee gialle disegnate su di esso attraverso un lungo piano sequenza per dare un senso di velocità e di perdita di controllo (controllo perduto, come le strade “perdute” del titolo). Purtroppo non mi occuperò accuratamente di questo film che, a mio avviso, raggiunge un livello altissimo di produzione cinematografica, ma vedrò di dedicargli un post intero prossimamente.



Mi sono servito di Lost Highway per fornire un utile contrasto all'interno della filmografia del regista americano. In The Straight Story, girato nel '99 subito dopo il film del '97, avviene il procedimento inverso. L'anziano protagonista ritrova se stesso sulla strada, non si perde affatto. La sua identità non è molteplice o frastagliata, confusa nella frenetica vita del musicista che sospetta un tradimento dalla bellissima moglie. Alvin Straight è deciso a percorrere 317 miglia a bordo di un tagliaerba ed è sicuro della sua decisione, perchè questo è il modo in cui lui vuole compiere questo viaggio. Si è detto spesso che, in questo film, Lynch ha ridefinito il canone del “road movie”, ma non mi trovate troppo d'accordo con questa definizione. Il “road movie”, così come molti altri generi di film, possono essere frastagliati e differenti tra loro. La strada è quell'elemento imprescindibile che deve essere rispettato in maniera quasi religiosa quando si decide di girare un film del genere. Il modo in cui si approccia all'argomento, poi, è variabile. Il ritmo che si vuole dare al viaggio, la direzione e le soste lungo la strada sono decise ad arbitrio di chi dirige la macchina, non a caso, il regista è un “director”.

Non è neanche un caso che questo film sia stato girato subito dopo il film del '97. È come se il regista volesse prendere una piccola pausa di riflessione. Una vacanza dal suo stile così intenso di dirigere e trasferirsi in campagna per qualche tempo, affrontando tematiche più terrene, più comuni mantenendo comunque l'universalità dei film precedenti.

Prendendo sempre come esempio la sequenza della corsa in macchina di Lost Highway, vediamo come Alvin si rapporta alla strada, ritrovando ancora una volta lo stesso piano sequenza sull'asfalto e le strisce gialle. Il suo è un veicolo estremamente lento, il viaggio che ha intenzione di intraprendere durerà più di sei settimane con un dispendio di soldi non indifferente. Eppure Alvin è felice, poiché questo è quello che vuole di più, è in questo modo che vuole affrontare il suo ultimo viaggio. Il travaglio della strada, con le sue complessità e le sue salite (in senso materiale) permettono al nostro protagonista di confrontarsi con il passato, segnato dalla guerra, l'alcolismo e altri momenti di cui non va affatto fiero, e così purificarsi come gli indiani nel Gange, prima di raggiungere il suo obbiettivo finale: la riappacificazione con il fratello lontano (e con se stesso).

Non è un caso che, una volta giunto al termine del percorso, riuscirà a concedersi una birra gelata senza avere il timore di cadere ancora una volta nel baratro dell'alcool.



Il viaggio di Alvin è un viaggio fisico o una traversata spirituale? È entrambe le cose.

Chi non conosce bene Lynch può non sapere del suo impegno umanitario e della sua associazione collegata direttamente alla pratica della MT, la Meditazione Trascendentale, che il regista pratica da ormai molto tempo. Io, nel mio piccolo, per avvicinarmi alla mentalità e alla creatività di Lynch ho frequentato un corso, ho imparato la MT e la pratico da ormai più di un anno (con i miei alti e bassi). Non si impara a volare, come spesso ti portano a credere, non diventi invincibile come Superman, ma acquisti una grande serenità nell'animo, la stessa calma imperturbabile che ti permette di affrontare un viaggio pieno di insidie come quello di Alvin. Lo stesso viaggio che poi è la vita, giusto per rientrare a pieno nella più classica delle tradizioni in tema di viaggio.

La vita spirituale è la chiave ideale per leggere l'intero percorso di Alvin e la storia che Lynch ci narra, attraverso queste lunghe riprese di campi sterminati e questo andamento apparentemente lento.

In The Straight Story non mancano gli elementi tipici dei film del maestro del nuovo surrealismo, le piccole cittadine di periferia, le “oddities” (stranezze) che popolano l'universo di Lynch. La figura di Rose, la figlia ritardata di Alvin, e della sua triste vicenda ci ricordano il protagonista del primo film diretto da Lynch, Henry Spencer di Eraserhead.

La colonna sonora, diretta magistralmente da uno dei collaboratori fissi di Lynch, Angelo Badalamenti, riesce a creare un'atmosfera sognante ma non dark e onirica come negli altri lavori del regista, poiché sappiamo bene che in Lynch la distanza tra sogno ed incubo è molto breve.

Per riassumere, credo che sia necessaria una visione parallela dei due film di David Lynch, dove in un primo momento la strada viene perduta ed in un secondo momento viene ritrovata, proprio come nelle due opere poetiche fondamentali di John Milton (Paradise Lost – Paradise Regained). Questo parallelismo è fondamentale per comprendere il processo universale che il regista ci vuole suggerire. È facile perdere la strada, ma per ritrovarla è necessario uno sforzo, una intenzionalità (per dirla alla Husserl) che si trova solamente tramite la Meditazione Trascendentale.

Alieni e alienazioni

Procediamo con la decostruzione.
In pillole, pregi e difetti di Avatar:

- Porta avanti una nuova VISIONE del cinema con effetti in alta definizione 3D, si concentra tecnicamente sulla creazione di un nuovo universo per sfruttare al massimo le potenzialità di questa macchina fantastica. Così come “M” di Fritz Lang [1931] ha valorizzato il passaggio al cinema sonoro, questo film ci permette di vedere meglio, in modo più approfondito, e, alle volte, vedere per la prima volta la magia del cinema fantastico. Avatar produce una nuova estetica del cinema, concentrandosi sul bello e sulla sua rappresentazione tramite immagine.

- MA, c’è sempre il ma. Essendo un kolossal della forma estetica ed essendosi preoccupato così tanto di quella che è la forma di questa nuova visione, è stato tralasciato molto a livello del contenuto. Avatar è un concentrato di “già visto e già sentito” nonostante rilegga il tutto sotto l’occhio tridimensionale del cinema IMAX, a livello di script è molto povero. Non produce nuovo senso, rielabora il senso precedente sotto una nuova ottica. Sono stati citati moltissimi film da cui Cameron avrebbe potuto attingere per la sceneggiatura di Avatar: Pocahontas, Matrix, Atlantis, Aida degli Alberi, Ferngully. (Per approfondire questi temi vi rimando al link).

Ora, permettetemi una piccola riflessione riguardo una delle tematiche portanti della trama. Ciò che di Avatar mi ha colpito di più e addirittura disturbato a livello etico. Tralascio la vicenda, il contesto di Pandora, il concetto di visione (che ho già trattato in breve) e gli alieni blu per concentrarmi unicamente sul tema del doppio, che permea tutta la durata del film.
Un ragazzo paraplegico, ossia una persona con delle limitazioni fisiche e una voglia di riscatto (si parla di un progetto scientifico affidato a suo fratello, ma dopo la sua prematura scomparsa viene scelto il nostro protagonista, per cui inizia a profilarsi già un “paragone” ed una duplicità) si trova di fronte alla possibilità di risolvere ogni problema tramite un’interfaccia virtuale che trasporta la sua “anima” (nel senso cartesiano di res cogitans) in un perfetto corpo alieno.
L’evasione dal corpo naturale per il raggiungimento di una perfezione artificiale. L’abbandono della propria situazione fattuale per una (ir)realtà virtuale.
All’interno del contesto “Avatar” (ossia, ancora una volta, Pandora e alieni blu) il discorso trova le sue motivazioni nelle limitazioni fisiche del protagonista e nella storia d’amore su cui si basa la pellicola (Titanic anyone?), ma, considerando in maniera più attenta le caratteristiche di questa nuova realtà aliena salta all’occhio il primo elemento che potrebbe, appunto, portare all’alienazione del protagonista.

Mi stavo documentando sull’origine del termine “Avatar”, che per me ha sempre avuto la valenza contemporanea di “doppio virtuale” nell’ambiente dei giochi di ruolo, e ho trovato delle interessanti notizie.
Secondo l’etimologia originale del termine l’avatar è l’immagine rappresentata del dio incarnato, questa accezione deriva dalla tradizione induista e viene utilizzata per definire figure chiave della religione quali le incarnazioni del dio Vishnu: Krishna e Rama. È particolare sottolineare il fatto che la concezione induista del mondo si avvicina moltissimo a quella della civiltà dei Na ‘vi dove ogni elemento singolo è collegato ad un tutto universale tramite una rete spirituale che permette il passaggio delle informazioni, della storia e della cultura del loro popolo nel tempo. Una peculiare caratteristica degli avatar della tradizione indiana è il loro colore bluastro, lo stesso colore degli alieni protagonisti del film di Cameron.
Il termine oggi viene principalmente utilizzato nell’ambito di internet e dei giochi di ruolo (online o meno) per la creazione di un doppio di se stesso da controllare a proprio piacimento. Sono io a caratterizzare il mio avatar, scegliendo attributi fisici adatti e tratti peculiari che possono distinguerlo dagli altri avatar. I celebri videogiochi online come “World of Warcraft” ne sono una prova: il mio avatar diventa ciò che io non posso essere.
Il problema degli avatar online è un problema serio. La duplice valenza del termine, però non ci permette di sapere con certezza se Cameron voglia parlare della realtà virtuale che, sempre di più prende piede nel nostro mondo, alle volte soppiantandolo completamente (vedi eXistenZ di David Cronenberg [1999]) oppure di questa valenza mistica e spirituale propria di una religione animista.


Al di là delle implicazioni fisiche del protagonista del film, la scelta di rendere “vincente” un avatar rispetto alla propria fattualità originale ha un peso notevole a livello psicologico. Viene interpretato come la soluzione perfetta ad ogni problema, una panacea virtuale.
Jake Sully non ha competenze sul campo militare data la sua menomazione, è depresso, avvilito ma una volta conquistato il suo avatar diventa un vincente. Il progresso vince sulla natura, paradossalmente. Come possiamo ricordare nel film Matrix [1999], non ha importanza se il cibo che mangio è reale o meno, se il sapore di bistecca è veramente quello di una bistecca, mi soddisfa mangiarlo e la stessa irrealtà che mi circonda produce il mio piacere. È veramente un mondo costruito per me, per i miei bisogni. [Video quì]

Prendo spunto dal film per proporre a voi lettori, come di consueto, l’approfondimento verso una tematica che trascende l’interpretazione del film in se.

La vita di ognuno di noi si riflette nelle scelte che compiamo giorno dopo giorno, da quelle apparentemente inutili a quelle fondamentali per la nostra esistenza. La scelta che il protagonista compie al termine della pellicola è molto importante, coinvolge tematiche di bioetica e genetica poiché Jake, inseguendo il proprio sogno (e attenzione alla parola sogno, nell’accezione freudiana ossia desiderio) decide di sacrificare il proprio corpo e la sua identità difettosa per trasferirsi completamente su Pandora e avere tutto ciò che ha sempre voluto. Corpo perfetto, amore e potere.

L’ideale della perfezione (estetica e non) viene inseguito da questo film fino al totale annichilimento della natura, è un messaggio paradossale se ci si sofferma, proprio perché le tre ore di durata della pellicola non hanno fatto che ripetere quanto fosse importante la natura e l’appartenenza ad un popolo.
Trasportando la visione fantastica di Cameron a quella, molto meno gradevole, della generazione di adolescenti e adulti del nostro mondo alle prese con internet e la realtà virtuale una scelta del genere non sarebbe la più consigliabile. Per questo, ripeto, il problema degli avatar (a trecentosessanta gradi) è un problema importante a livello soggettivo, coinvolgendo la sfera sociale e psicologica dell’individuo in formazione che si confonde tra l’immagine di se reale e quella di un se artificiale.
Se mai fosse possibile una scelta, cosa credete che sceglierebbero?
E questa, cari lettori, è anche eugenetica.

Oh, Scar!

Anche io, come molti appassionati di Cinema, preparo il pop-corn e la birra per la notte degli Oscar del 7 Marzo 2010. Fortunatamente sarò in Florida in quel periodo, per cui riuscirò anche a vedere la cerimonia in diretta sulla NBC.
Da un certo punto di vista non ho mai apprezzato le scelte dell’Accademy nelle loro premiazioni, un film vincitore non è necessariamente il film migliore dell’annata. Spesso dimenticano che i criteri di selezione sono molto soggettivi e vengono influenzati da questioni economiche, politiche e sociali. Il film decretato “migliore” deve comunque passare sotto l’occhio critico degli esperti, quelli veri, quelli che non si lasciano abbindolare da “ciò che luccica” e dalla vagonata di statuette che il kolossal di turno porta a casa e, spesso, sono proprio loro a stroncare il prodotto.
Ora, sappiamo bene che gli occhi del pubblico cinematografico 2009/2010 sono puntati su una sola ed unica pellicola, ormai stimata come il capolavoro cinematografico del decennio: Avatar.

Io ho visto Avatar, come penso il 90% della popolazione mondiale (escludendo solamente i terroristi di Al Qaeda nascosti nelle montagne dell’Afghanistan, il mostro di Loch Ness e Superman tra i ghiacci dell’Antartide) e ho espresso il mio giudizio dopo pochi secondi. Si, è vero, ci ho messo 1 mese a pubblicare la recensione… però avevo tutto in testa, ve lo giuro!
È anche vero che a me piace decostruire una pellicola per poi riassemblarla ed interpretarla sotto una nuova ottica, ma i film di mainstream veramente non li sopporto più di tanto. Ho il “vizio” professionale di cercare le motivazioni che si celano dietro la produzione di un film, estraniandomi un secondo dal contesto dell’ermeneutica filmica ed allargando la mia analisi al contesto che ha generato questa pellicola. Potete trovare questa caratteristica in ogni scritto presente sul blog, è la mia “missione”, lo scopo della mia indagine in vista di una futura professione.
Bene, per portare avanti questo compito non mi sento di concentrarmi unicamente sul film di James Cameron, proprio poiché non avrei niente da contrapporre come confronto, per cui mi dedicherò in modo parallelo ad una pellicola “rivale”. Nominato agli Oscar nella categoria “Best Movie”, tratta di un argomento molto simile ma in maniera del tutto differente, il film in questione è District 9.

Preferisco trattare con attenzione i due film in due post differenti, per evitare di creare 200 pagine difficili da leggere.

Violinisti sul tetto della storia

Sfrutto la mia momentanea fissa per la cultura ebraica e la necessità che comporta l’esame di Musical per parlarvi velocemente di un film che, anche se non ci avrei scommesso, mi ha molto colpito: “Fiddler on the Roof” [1971]

Il villaggio russo di Anatevka è abitato, da una parte, da una comunità di cristiani ortodossi, e dall’altra da un ristretto gruppo di ebrei ortodossi. Questi, come viene accennato subito nel prologo, fanno finta di non vedersi, in modo da evitare qualsiasi tipo di discussione e vivere in pace.

Durante il film ci vengono presentate, con il tono ironico dei musical, le abitudini giornaliere di ogni persona di religione ebraica: il momento del sabbath, la scelta dello sposo da parte del padre per la figlia, la figura della match maker, il matrimonio e le celebrazioni classiche della tradizione giudaica.

Quando si parla di ebraismo, e se ne parla sul serio, tralasciando gli orrori dell’olocausto e tutto ciò che questo popolo ha dovuto subire, non si può non discutere delle tradizioni, che al giorno d’oggi compongono gran parte dell’immaginario comune in materia. Cosa vuol dire Tradizione?

Ce lo spiega benissimo il saggio Tevye, protagonista del film, nella sequenza d’apertura, tramite un monologo dal sapore teatrale che rompe definitivamente la quarta parete, nel nostro caso lo schermo cinematografico, e comunica direttamente con lo spettatore, guardando in macchina e chiedendoci retoricamente il nostro parere sulle vicende della piccola comunità ebraica di cui fa parte. Al monologo segue la canzone “Tradition”, ironica e orchestrata in maniera magistrale da John Williams, che mette in musica gran parte degli elementi tradizionali ebraici-ortodossi dei primi del novecento, ponendo in risalto i rapporti tra credi differenti nella cornice del piccolo villaggio russo.

Per comprendere a pieno l’importanza della tradizione, però, è necessario specificare che la pellicola è ambientata nei primi del ‘900, durante le prime grandi mobilitazioni progressiste nella Russia zarista. Il progresso, quindi, eternamente opposto alla tradizione. Questo è l’elemento che permette l’azione all’interno del film, fosse per Tevye ed i suoi fratelli la situazione rimarrebbe sempre immutata, la vita seguirebbe la stessa routine giorno dopo giorno ed ogni cosa verrebbe fatta allo stesso modo perché è in quel modo che è stata tramandata dai padri dei padri, per cui necessariamente quello è il modo giusto di agire. Il progresso disturba la pace interna della piccola comunità ebraica e, lentamente, cerca di smantellare ogni tradizione tramite l’evoluzione tecnica (la nuova macchina da cucire), morale (le scelte delle tre figlie di Tevye opposte al volere del padre) e politica (l’esodo dal villaggio).

La vicenda, che ricorda alla lontana la novella “I Malavoglia” di Verga, getta un occhio musicale e ironico sulla tragedia di un popolo che è costretto continuamente a muoversi e spostarsi, proprio per colpa della loro incapacità di adattarsi ai mutamenti costanti del mondo. O meglio, per la volontà contraria al progresso, la volontà di mantenimento e la forte convinzione che ogni cosa accade per una ragione.

Questo ultimo anno cinematografico ha permesso a molti esponenti della cultura ebraica di esprimere il loro personale punto di vista tramite la macchina da presa. Per approfondire l’argomento consiglio due piccole perle di dark comedy: Basta che Funzioni [Whatever Works, 2009] di Woody Allen (recensito da Valerio su questo blog) e A Serious Man [A Serious Man, 2009] dei fratelli Coen, candidato a due premi Oscar.

Per comprendere meglio il fenomeno ebraismo e ciò che ne rimane in questo futuristico e progressista 2010, è necessario gettare uno sguardo indietro verso la storia della filosofia e vedere cosa ne pensano degli illustri maestri come Kant ed Hegel.

Immanuel Kant, nella sua celebre riflessione morale, riflette spesso sulla figura di Dio (quello della tradizione giudaica) e di suo Figlio Gesù tramite le parole di S. Paolo mutuate dalla cultura pietista dalla quale Kant proviene. La valenza dell’innovazione cristiana si trova indubbiamente sul piano etico, secondo il pensatore tedesco, Gesù ha rivoluzionato la moralità prettamente legislativa della Torah ponendo l’accento sulla parte razionale del nostro comportamento, introducendo il concetto di riflessione e valutazione del proprio comportamento sulla base di un dovere assoluto che non è scritto da nessuna parte, non ha oggetto, è puro dovere razionale.

L’ebraismo come ci viene descritto da Hegel nelle sue lezioni di Filosofia della Religione prende corpo nella riflessione sulla storia ed i suoi mutamenti continui. La tradizione è il primo momento della coscienza oggettivante che costituisce, come sempre, una parte di un cammino che, non a caso, viene perseguito secoli più tardi dal cristianesimo come forma di superamento. Il cristianesimo è una forma più moderna, è la storia che prosegue, è l’upgrade dell’ebraismo. Rimanere ancorati ad una tradizione vuota vuol dire smettere di creare significato e limitarsi a ricordare un significato del passato, o addirittura, ripetere in maniera meccanica delle gestualità o dei rituali che il significato lo hanno completamente perso nel tempo, come viene ironicamente detto dal Tevye durante i primi minuti del film.

Io parlo spesso di “inutilità storica dell’ebraismo”, ma ne parla molto anche Nietzsche nella Genealogia della Morale, come incapacità storica di questo popolo ad una protensione verso il futuro. Questa è una realtà. Altra cosa è parlare di “inutilità storica degli ebrei” che, come sappiamo, ha portato a bel altre conseguenze.

La pensosa spensieratezza del Musical

Ho visto in totale 4 Musical in 2 giorni ed iniziano a farsi vedere gli effetti collaterali di questa eccessiva dose di commedia musicale! Canto e ballo tutto il giorno: quando mi alzo dal letto mi dirigo in bagno facendo tip-tap in pigiama con gli occhi ancora semichiusi, penso addirittura le coreografie di come potrei lavarmi i denti e, guai se prendo in mano qualunque oggetto ombrelliforme! Ieri sono uscito sotto la pioggia e mi sono messo a cantare “I’m Siiinging in the rain” mentre mi zuppavo completamente i vestiti rischiando un malanno come il povero Gene Kelly. Ho deciso, allora, di scrivere qualcosa proprio riguardo a questo film musicale: “Singin’ in the rain” [MGM, 1952].

Devo ammettere che ho particolarmente apprezzato questa pellicola, proprio perché permette una riflessione interessante sul cinema musicale al suo nascere, inteso come genere innovativo all’interno della grandissima produzione cinematografica del periodo che, spesso, non riusciva ad eguagliare il teatro per qualità.
Don Lockwood è un celebre attore di cinema, sempre in coppia, nella vita come nel lavoro, con Lina Lamont. Il duo è famoso nell’ambiente per una serie di pellicole romantiche tradizionali dell’era del cinema muto, dove la loro interpretazione si limita ad esasperare ogni gesto di corteggiamento per terminare in quel tanto atteso bacio. La crisi del cinema muto durante gli anni ’20 inizia ad essere evidente con l’uscita del primo musical americano sonoro: “The Jazz Singer”. Come avvenne per il Fritz Lang di “M” anche i nostri protagonisti sono costretti ad inventare un nuovo modo di fare cinema, reinterpretando il film in produzione, inizialmente in chiave sonora senza grandi successi, ed in seguito trasformandolo in film musicale.
Kelly è grandioso nella sua performance, ma ancora prima di lui è necessario valutare la scelta dei numeri musicali e le coreografie che, ripercorrendo la storia del musical, si divertono a citare i più grandi show di Broadway lasciando poco spazio ai temi originali. Ogni numero di questa pellicola è uno spettacolo pirotecnico, espressivo e burlesco ma mai estremizzato o esagerato. Probabilmente tutti, una volta nella vita, si sono ritrovati con un ombrello a camminare sotto la pioggia fischiettando il famoso motivetto. Talmente importante da venire citato da Kubrick nel suo capolavoro “Arancia Meccanica” [A Clockwork Orange, 1971] come parte imprescindibile della pop culture.
Il film è del ’52 ma ha una valenza retrospettiva. Il regista Stanley Donen decide di fermarsi un secondo, prendere un respiro e dare un’occhiata a tutto quello che c’è stato prima di lui per poterlo raccontare in modo efficace e permettere al pubblico di riflettere sul cinema nella sua interezza.
Il tempo del puro “entertainment” è finito, gli anni del cinema inconsapevole di se stesso sono ufficialmente nel passato. Eppure, ogni tanto è possibile ripescare qualcosa da questo passato scintillante e riproporlo in chiave differente, come vediamo nel finale del film dove Don è talmente affascinato dal mondo del cinema musicale da sognare un glorioso trionfo a Broadway tra i set dei più grandi spettacoli come The Broadway Melody [1929] e The Broadway Melody of 1936 [1935].

Di tutt’altra idea è invece il film “The Band Wagon” [MGM, 1953] diretto da Vincent Minnelli, un altro grande del Musical americano, ed interpretato dall’ideale controparte di Gene Kelly: Fred Astaire.
Il film si trova nella situazione inversa, l’ambientazione è quella contemporanea degli anni 50, dove ormai il genere musicale era considerato come una forma d’arte minore e di poca importanza. Il protagonista Tony Hunter è un attore “attempato” celebre per le sue interpretazioni di poco spessore nelle commedie musicali della fine degli anni ’30. Per rilanciare la sua carriera gli viene proposto di interpretare un musical teatrale di grande profondità artistica, una rilettura moderna del Faust, diretto da un famoso regista di tragedie classiche. Nonostante la sua riluttanza, Tony/Fred si decide a portare in scena questo kolossal ma la sera della prima viene dichiarato il suo insuccesso. Prendendo in mano la situazione, il nostro attore “attempato” decide di farlo a modo suo, trasformando il drammone in commedia, come era stata inizialmente pensata dagli autori del testo, portando in scena quattro atti di puro divertimento e risate, con un vago riferimento al precedente fallimento all’interno del testo delle canzoni.
Con il numero “That’s Entertainment”, ripetuto due volte all’interno del film per sottolineare come in differenti contesti questa frase rimanga valida quando si parla di musical, Minnelli si dichiara un fondamentalista della commedia spensierata, pur dirigendo un film altamente riflessivo.
Il contrasto che permette la riflessione avviene nel momento del fallimento dello spettacolo "impegnato" e del trionfo di quello "leggero" dove Astaire sembra esclamare un musicale "Te l'avevo detto!" al mondo del cinema mentre si allontana ballando con la bella ragazza di turno.